말러 - 교향곡 제9번 (번스타인/콘서트헤보)

 

말러의 제9번을 듣다보면 은연 중에 쓸쓸한 체념의 정서가 다가온다. 지상에서의 삶이 스러지는 데 대한 어찌할 수 없는 회한 말이다. 브루크너의 제9번과 차이코프스키의 제6번도 마찬가지다. 이들의 공통은 바로 전 악장이 요란한 스케르초나 론도로 후에 이어지는 악장과 극히 대비가 된다는 점에도 있다.

평생 말러를 사로잡았던 죽음에 대한 의식이 이제 보다 구체성과 직접성을 띠고 그에게, 그리고 우리에게 다가온다. 내가 즐겨보던 <교향곡 명곡 해설(일신서적공사)>에는 '말러가 우리에게 말하는 것'이라는 제목으로 각 곡의 성격을 해설하면서 이 제9번에는 '고별에 관해서'라고 적고 있다. 그렇다. 말러는 이제 죽음을 외면하고 거부하고 도망치는 데서 벗어나 이를 받아들이고 준비를 하고 있는 것이다.

말러 작품의 해석에 보면 세가지 유형이 있다. 순음악적 연주, 노이만과 쿠벨릭, 스튜디오의 텐슈테트가 이에 해당되려나. 주정적 해석, 자칫하면 감정과잉이 될 수도 있다. 번스타인(특히 신반), 실황의 텐슈테트. 그리고 기능적 접근법, 솔티가 대표적이다.

번스타인은 공식 음반으로 말러 시리즈를 두 번에 걸쳐 남기고 있다. 장년기의 말러를 통해서 말러에 대한 재인식의 계기를 마련하였고, 노년기의 말러를 통해서 말러 해석의 일대 지평을 넓혀 놓았다.

번스타인의 연주는 자칫 감정과다로 평가될 수 있다. 감정이입과 감정과잉, 여기에는 미묘하나 상당한 차이가 있다. 감정이입이 없으면 지휘자는 악보를 보고 팔만 흔드는 나무토막이 된다. 악보를 매개로 한 지휘자와 작곡가의 소통, 여기에서 진정한 음악 해석이 나온다.

번스타인의 해석은 지극히 탐미적이면서 곡의 구조와 악상을 결코 놓치지 않는다. 필요할 때는 충분히 감정을 불어넣어 깊은 정서미를 보이다가도 단호하게 매듭지을 줄도 안다. 그것이 말년의 번스타인의 음악 미학이다. 이 제9번도 '고별'이라고 첫악장부터 오버하지 않는다. 오히려 1악장 중간의 금관의 통렬한 울림은 고뇌와 고독의 절규가 아니라 운명에 당당히 맞서는 인상마저 자아낸다. 그렇다. 내 죽음에 무너지지 않으리라. 죽음이 인간의 거부할 수 없는 숙명이라면 차라리 의연하고 당당하게 이겨내리라. 시인의 말처럼 한 세상 즐겁게 놀다가 소풍 끝내는 날, 하늘로 올라가서 아름다웠다고 말하리라.

말러 - 교향곡 제7번 (번스타인/뉴욕필)

 

말러의 제7번은 말러 전성기를 맞이한 현대에도 제3번과 더불어 여전히 비인기곡이다. 예술성이 떨어지기 보다는 청중의 귀에 단번에 쏙 다가서는 요소가 드러나 있지 않은 연유가 크다. 제1번은 4악장의 거대한 폭발, 제2번은 역동적 선율과 합창의 어우러짐, 제4번은 서정성, 제5번은 서두의 트럼펫 독주로 시작하는 장쾌한 관현악과 4악장 아다지에토의 감상성, 제6번은 마지막 악장 해머 타격의 충격, 제8번은 천인이라는 미증유의 스케일, 제9번은 끝모를 깊이로 빠져드는 고별의 미학, <대지의 노래>는 남녀 성악이 주도하는 형식의 특이성과 중국 시에서 끌어온 가사 내용의 달관의 정서 등등.

제7번은 이런 요소가 부족하다. 하지만 이 모든 것은 선입견이자 편견이다. 1악장과 마지막 5악장을 보면 여전히 말러의 거대한 오케스트레이션의 울림을 즐길 수 있다. 특히 마지막 피날레는 압도적이다. 또한 2악장과 4악장의 야곡(夜曲)은 자체로 독특한 데다 후자에는 기타와 만돌린이 밤의 세레나데를 부르고 있다. 로맨틱한 정감을 자아내며.

오늘 레너드 번스타인 지휘, 뉴욕필의 신음반으로 이 곡을 듣는다. 역시 말년의 번스타인답게 거대하게 확장된 스케일로 하지만 음 하나, 소절 하나도 철저하게 자신만의 주정적인 해석으로 들려준다. 이 연주를 들으면 제7번이 덜 주목받는 이유를 이해하지 못한다. 실황이지만 매우 뛰어난 녹음에 힘입어 마이너가 아닌 메이저로서의 제7번을 웅변적으로 표현한다. 이는 말러 연주에서 거대한 성곽을 구축한 번스타인이나 가능한 일이다. 그래도 세레나데 풍은 조금 더 밤의 정서를 풍겼으면 하는 일말의 바램이 있다.

말러 - 교향곡 제1번 '거인' (안체를/체코필)

 

녹음 탓인지 다소 평면적으로 들리나 음악의 흐름은 지극히 자연스럽다. 4악장 초반부에 바이올린 선율을 부각시켜 기분좋은 생경한 효과를 주고 있다. 성부 간 울림이 투명하며 전체적으로 극적인 효과보다는 말러 본연의 순음악을 표현하고자 노력한 연주로 생각된다. 

개인적으로 노이만과 안체를의 말러는 저평가되었다고 생각한다. 거대한 음향 구조에 열광하는 세태에 이들의 순음악적 접근방식은 귀에 차지 않으리라.

바흐 - 쳄발로 협주곡집 제1집 (장혜원/스탄코프스키)

 

가장 즐겨듣는 음반의 하나이다. 그리고 피아노 연주의 바흐 쳄발로 협주곡 음반 중에서 매우 탁월하다고 생각한다. 명곡이니만큼 섣부른 개성미 표출보다도 악보에 충실하더라도 뛰어난 연주를 들려줄 수 있음을 입증한다.  

투명한 피아노의 터치, 오케스트라와의 절묘한 호흡, 가볍지도 무겁지도 않은 서정성과 균형미. BWV 1052의 1악장의 독주부와 2악장을 한번 들어보라. 반복해서 감상하더라도 여전한 묘미를 느낄 수 있다. 무명의 반란으로 역시 무명 낙소스 시절의 대표 음반이다. 

이 음반이 마음에 든다면 이들 콤비에 의한 제2집도 놓칠 수 없다. 

크리스토퍼 말로우의 생애와 작품세계 (안장희/하우)

크리스토퍼 말로우[말로]는 셰익스피어와 동시대의 뛰어난 극작가이다. 그의 명성이 일반에게 많이 부각되지 못하는 연유는 그가 희대의 대문인의 동시대인이라는 점이다. 또 하나 서른 살도 안 되는 나이에 요절하여 창작기간이 짧다는 데 있다. 그럼에도 현전하는 그의 작품들은 셰익스피어의 눈부신 빛으로도 가리지 못하는 그만의 독자적인 아름다움을 문학사에 고고히 드리우고 있다.

셰익스피어 외에 말로우니 벤 존슨이니 하는 작가들의 작품이 조금씩이나마 소개되어 문학적 편식을 치유하는 데 도움이 되고 있어 다행이다. 희곡은 소설류와는 다른 독특한 미감을 지닌다. 연극 상연을 전제로 하는 게 기본이지만 머릿속에서 무대와 배우의 동작을 상상하며 대사를 음미하는 것은 실제 연극과는 구별되는 자체의 맛이 있다. 마치 실연이 아니라 악보를 통해 음악에 가까이 다가서는 것과도 같다.

말로우의 주요 작품으로는 <탬벌레인 대왕>, <몰타섬의 유대인>, <파우스투스 박사>, <에드워드 2세> 등이다. 이 중에서 앞의 세 편은 이 책의 일독 이후에 실제로 읽어볼 작품들이다. 미지의 작가에 곧바로 다가서기에는 약간 부담이 있어 간단한 해설서를 구한 것이 이 책이다.

다만 이 책에서 저자는 머리말에서 적시하였듯이 순전한 해설서라기보다는 말로우의 작품들을 종교적 요소를 중심으로 분석하고 있다. 따라서 말로우의 작품에서 다른 관점의 비평을 얻고자 한다면 다소간 실망하게 되고 만다. 나처럼 말이다.

말로우는 영국 르네상스 시대의 사람이므로 응당 종교적 영향력에서 완전히 벗어나지 못하고 있다. 더욱이 그는 성직자가 되기 위한 공부를 하기도 하였다. 따라서 일정 부분 그의 작품에서는 가톨릭과 영국 국교회, 그리고 대륙에서 대두되고 있는 신교의 교리 등이 혼재할 수 있음은 자연스럽게 받아들일 수 있다. 다만 종교성의 시각으로 말로우의 작품 전체를 포괄할 수 있다면 그의 이름은 오늘날까지 전해지지 않았을 것이다. 그는 셰익스피어처럼 르네상스인으로서 인간의 자유로운 욕망과 정신을 표출하는데 선구적인 역할을 하였다. 오히려 작가로서의 활동은 그가 셰익스피어보다 선배라는 점을 인식할 필요가 있다.

말로우 작품집이 대산세계문학총서의 하나로 출판된 것을 제외하면 말로우에 대한 본격적인 연구서도 변변히 없는 상황에서 이 책의 존재는 감지덕지하지만, 이왕이면 조금 더 다채로운 시각에서 그의 작품세계를 조망할 수 있었으면 하는 아쉬움은 과욕일까. 하긴 본문이 채 백여 면도 되지 않는 손바닥만 한 책자에는 지나친 기대이다.